Roman Liška expose du 3 juin au 15 juillet 2022

« Return to Innocence » à l’espace d’art contemporain 14N 61W Place de l’Enregistrement  F-de-F.

caryl* ivrisse-crochemar & [creative renegades society.] ont le plaisir d”acceuillir pour la deuxième fois à l’espace d’art contem­porain 14N 61W, l’artiste allemand Roman Liška. Le peintre Roman Liška aux origines tchèques et sud-africaines, est né à Hambourg (DE) et a étudié à Goldsmiths University ofLondon et au Royal College of Art (UK). Il vit à Berlin et travaille comme artiste associé à la chaire de peinture expérimentale et de dessin de Jana Gunstheimer à la faculté des Beaux Arts – Bauhaus Universitat, Weimar (DE).Pour sa deuxième exposition individuelle, l’artiste présente une série de peintures de large format, intitulée “Return to Inno­cence”.
Une très bonne image
En fait, le titre de ce texte devrait probablement être le même que celui de l’exposition : Return to Innocence. Cela fait référence à la chanson pop Return to Innocence du groupe allemand Enigma des années 90, dont le son fait partie du genre New Age ou World Beat. C’est le type de chanson que les compagnies aériennes aimaient jouer avant le décollage ou après l’atterrissage,un peu comme la chanson Adiemus de Karl Jenkins, ou quelque chose d’Enya. L’ambiance construite dans ces chansons est caractérisée par ce que je ne peux que décrire, du moins du point de vue actuel, comme une (pseudo)véracité presque dou­loureusement kitsch. Le clip est une floraison stylistique du maniérisme des années 90 et montre diverses scènes, des plans de nature, des personnes et des animaux dans un passé non identifiable, mais en tout cas un passé meilleur que notre réalité actuelle. Surtout, dans la vidéo, tous les processus se déroulent à l’envers, acquérant ainsi une composante mystique, irréelle et semblant finalement ringarde de manière désarmante, y compris une unicorne galopant dans la forêt. L’ambiance musicale est essentiellement créée par des échantillons de chants exotiques de type choral de la catégorie “uplifting” (d’où les titres) qui devraient probablement frapper le public cible visé comme étant sublime et noble, en combinaison avec des sons synthétiques de flûte de pan qui devraient évoquer un calme rêveur semblable à la muzak relaxante souvent jouée pendant les massages. Parmi les voix de la première chanson figure un échantillon des chants des Amis, un peuple indigène de Taïwan dont la langue appartient à la catégorie austronésienne. De nos jours, cela tirerait probablement la sonnette d’alarme de l’appropriation cul­turelle. Quoi qu’il en soit, la chanson a atteint la première place dans les charts pop d’Irlande, d’Israël, de Norvège, de Suède et du Zimbabwe, une combinaison remarquable de pays à mon avis. L’atmosphère sonore d’authenticité, de sincérité et de vérac­ité si efficacement créée ici est à la fois ringarde, cucul et dégoûtante, mais aussi artificielle, calculée et générique, aujourd’hui comme hier, et c’est peut-être pour cette raison qu’elle a connu un tel succès dans un con-texte commercial.

Calculs spontanés
Avant que je ne commence à étudier l’art, une rétrospective du peintre informel franco-allemand Hans Hartung et le catalogue qui l’accompagnait, “Spontanes Kalkül”, m’ont ouvert l’esprit sur le fait que ses peintures apparemment sans effort et spon­tanées étaient en fait souvent basées sur de petites esquisses qui démystifiaient pour moi le travail comme des compositions soigneusement planifiées à l’avance. Le lien de causalité entre l’intention et l’effet ou le processus et le résultat, que j’avais supposé à tort être créé spontanément par “inspiration”, m’a fait comprendre une fois pour toutes que dans l’art (comme aussi,de manière beaucoup plus évidente, dans la musique) tout était artificiel au sens propre du mot “artifice” : rien n’était laissé au hasard, et par conséquent tout devait être lu comme délibérément produit exactement de cette manière (et pas autrement),même si ce n’était pas le cas en réalité. La personne qui regardait le tableau devait supposer que l’œuvre d’art n’était en aucun cas, même partiellement, accidentelle, qu’il s’agisse d’une abstraction gestuelle ou d’une abstraction dure.

D’une certaine manière, pour nous, germanophones, les titres d’exposition en anglais (tout comme les titres et les paroles de chansons pop) sonnent plus cool, plus chargés de sens que les titres et les paroles en allemand, ou que l’utilisation de la traduction allemande d’un titre anglais, qui souvent ne fonctionne pas du tout : “Rückkehr zur Unschuld”, tout simplement horrible ! Bien sûr, le sens est le même, mais le facteur de dégoût est simple-ment trop élevé en allemand. Inversement, cela signifie aussi que les anglophones peuvent percevoir ces titres comme très embarrassants et ringards. Peut-être les titres an­glais sont-ils simplement destinés à établir une connectivité internationale. Curieusement, on observe le phénomène inverse à New York, où de jeunes peintres (même là, ce sont surtout des hommes) donnent à leurs expositions des titres allemands ou apparemment allemands, comme “Neu Malerien” (Nouvelles peintures), parce que cela est peut-être perçu comme exotique ou cool là-bas, ou peut-être est-ce simplement une référence à leur passage au Städel et l’expression de leur vénération pour le mythique professeur mangeur de verre, qui était si prononcé là-bas.

Le pinceau comme dernière baguette magique dans un monde désenchanté
Dans son essai “The Weak Universalism”, Boris Groys écrit à propos de l’avant-garde historique qu’elle s’est finalement toujours préoccupée de produire l’image la plus faible possible, car seule l’image la plus faible pouvait potentiellement inclure toutes les autres images possibles, mais que ce fait a régulièrement été complète-ment incompris et que, au contraire, les peintures de l’avant-garde ont été rétrospectivement (mal) interprétées historiquement comme des images particulièrement “fortes”. Une exposition au titre aussi sentimental que Return 2 Innocence est peut-être déjà une provocation “par les temps qui courent”, tout comme des peintures colo-rées et abstraites se rapprochant dangereusement du plaisir ou franchissant même intentionnellement la ligne peuvent sembler tout à fait démodées. L’affirmation au nom de la plus grande liberté artistique possible d’insister néanmoins ou juste donc sur ces mêmes tableaux peut être considérée comme réactionnaire. L’idée de vouloir revenir à une innocence qui aurait pu exister autrefois est en fin de compte un affront absolu à l’ordre actuel, outre le fait que ce serait impossible par définition.

Le point de non-retour
Est-il possible de concevoir l’”innocence” comme un lieu, plutôt que comme un état d’être, comme c’est plus habituel ? Peut-être que “naïveté” serait le terme le plus neutre, car “innocence” a déjà de telles connotations religieuses. Mais alors l’idée de lieu ne fonctionne pas si bien que ça. J’imagine Innocence comme un endroit dans le nord de l’état de New York, ou peut-être au Nouveau Mexique ? Peut-être qu’il pourrait aussi y avoir un endroit aux États-Unis appelé “Naivity”, il y en a même certainement un, mais ce serait phonétiquement trop proche de “nativity”, ce qui n’est pas génial non plus. À Hambourg, il y a le parc Innocencia. Il se trouve dans l’un des meilleurs quartiers résidentiels de la ville, et également à proximité des gratte-ciel Grindel, le premier complexe résidentiel de grande hauteur d’Allemagne, dont la construction a commencé en 1946 et s’est achevée en 1956. Un bâtiment dans le style de l’Unité d’habitation conçue par Le Corbusier. Un ascenseur paternoster y fonctionne. Dans un paternoster, plusieurs cabines individuelles ouvertes suspendues à deux chaînes circulent sans arrêt,son nom fait référence à une chaîne de prière catholique, le chapelet. Enfants, nous avions toujours peur d’être écrasés dans le paternoster, et nous spéculions follement sur ce qui se passerait si nous ne descendions pas à l’étage supérieur ou inférieur,mais restions à l’intérieur au point d’inversion de la cabine, ce qui nous était toujours strictement interdit. Rien ne serait arrivé,bien sûr, sauf que nous serions ressortis de l’autre côté.

Prêcher pour le chœur
L’histoire se répète toujours, d’abord sous forme de tragédie, puis de farce, est l’une des citations les plus célèbres de Karl Marx.En fait, je voulais éviter de paraphraser Marx, car cette phrase apparaît dans un texte d’exposition d’art contemporain sur deux et, tout comme la citation elle-même, elle représente un cliché. Mais cela m’est sorti de l’esprit malgré tout, alors nous y voilà.

De la même manière, certaines formes de peinture abstraite peuvent aussi être lues comme des clichés qui répètent l’esthétique des courants de l’histoire de l’art comme une farce sans pouvoir récupérer leur radicalité originelle. En musique aussi,une forme traditionnelle comme le rock n roll en tant que genre ne peut plus revendiquer la radicalité originelle pour elle-même dans le présent, bien qu’une bonne chanson de rock n roll sera toujours une bonne chanson de rock n roll, peu importe qu’elle ait été écrite en 1960 ou en 2000, ou simplement (ré)interprétée à cette époque. Mark Fisher a utilisé le concept d’on­tologie de Jacques Derrida pour décrire comment le retour des genres musicaux pop-culturels du passé dans le contexte du turbo-capitalisme néolibéral est directement lié aux conditions de production précaires qui prévalent pour les jeunes créateurs de musique. Leur volonté et leur capacité à prendre des risques diminuent en raison de l’intensification des contraintes com­merciales par rapport aux conditions du passé, ce qui produit des résultats qui doivent s’appuyer sur des éléments éprouvés, et donc une musique rétrograde (réactionnaire) hantée par les fantômes pop-culturels du passé. Ce pessimisme culturel est étayé par une analyse récente des statistiques des principales plates-formes de streaming musical telles que Spotify, qui montre que la part de marché de la musique ancienne (milieu et fin du XXe siècle) augmente proportionnellement à celle de la musique nouvelle. En d’autres termes, on écoute plus de musique ancienne que de musique nouvelle, car elle est peut-être perçue comme étant de meilleure qualité et possède peut-être aussi une qualité intemporelle ou qui ne semble pas avoir perdu sa pertinence, même dans le présent.

Le paradis perdu
Le retour à un état d’innocence, à une forme de paradis ne semble pas possible dans la réalité. Serait-ce la tâche de l’art que de tenter audacieusement d’en capturer l’écho, à l’instar de l’Angelus Novus de Paul Klee qui, selon Walter Benjamin, regarde le passé en arrière et s’avance pourtant vers l’avenir ? Dans ce cas, puisque je suis déjà en train d’écrire sur des citations clichées et des visions utopiques, cela m’a immédiatement fait penser à la phrase de Martin Luther King Jr : “l’arc de l’univers moral se courbe lentement, mais il se courbe vers la justice”.
C’est et cela reste, même “en ces temps”, une très bonne image !
Roman Liška
+/more info: 14n61w.org