— Par Daniel M. Berté —
*** Konpè ! Matjè ! Aktè ! Fòwmatè ! Frè ! Lonnè !!! ***
Lèw lévé tou-piti an komin Sentespri
Ki moun té ké pé di sé kay an boug kochi
Ou an ti-kochonni ou an boug gran lespri
Aprézan nou tout sav ; nou ka saluéw jòdi
épi anlo respé, bonswè « Misié Anri ! » …
Lonnè !
Lari-bouk, ou wondi ek osi anba bwa
Mi bel lépòk papa ! Pa té ni kout koutla
Ou té ka vini bien sans fè méa culpa
Moun té za ka gadéw, menm manzè Thélucia
Ek yo té za ka di, sa sé « Misié Anri ! »…
De Barry Jenkins
Avec Alex R. Hibbert, Ashton Sanders, Trevante Rhodes
Genre Drame
Nationalité américain
Synopsis:
Après avoir grandi dans un quartier difficile de Miami, Chiron, un jeune homme tente de trouver sa place dans le monde. Moonlight évoque son parcours, de l’enfance à l’âge adulte.
La presse en parle :
Les Inrockuptibles par Romain Blondeau
Pirater le vieil imaginaire hétérocentré du gangster-movie, tordre les faux-semblants et exalter I indifférenciation des genres : telle est la beauté ultramoderne de ce rayonnant « Moonlight » (…).
— par Janine Bailly —
Nous faire, en sus des « films dont on parle », découvrir et aimer des cinémas nouveaux et différents, ou des cinéastes trop peu connus du grand public, loin des blockbusters à l’américaine qui remplissent régulièrement et (trop ?) longuement les salles, telle est une partie de la mission que s’est donnée Steve Zébina, à la tête des RCM. Et quand en début de séance, souvent essoufflé d’avoir couru à ses tâches diverses et variées, il nous livre de façon si communicative ses émotions et coups de cœur, nous ne pouvons qu’adhérer à ses propositions ! J’aimerais en donner pour preuve trois films vus ces lundi et mardi de printemps, trois films qui m’ont émue, interpellée, enrichie et donné un regard neuf sur le monde.
Lundi il y eut, à Madiana, de Claudia Sainte-Luce, Jazmin et Toussaint, film venu du Mexique, et dont les rôles-titres sont avec maestria tenus par la réalisatrice elle-même et par le parrain du festival, un Jimmy Jean-Louis étonnamment véridique en sexagénaire malade et déclinant. C’est bien là la magie du cinéma, que de nous faire croire à une transformation radicale de l’acteur, dans l’acceptation d’une personnalité si loin de son âge, si différente de son aspect et de sa condition physiques véritables ! De
Jazmin et Toussaint, La Danseuse
— Par Selim Lander —
Jazmin et Toussaint de Claudia Sainte-Luce
Un film d’auteur autobiographique dans lequel la réalisatrice s’est d’autant plus investie qu’elle interprète elle-même son propre rôle. Claudia Sainte-Luce est mexicaine mais de père haïtien. Elle a avec ce dernier des rapports compliqués. Lorsqu’il tombe malade, elle s’en occupe plus par devoir que par amour filial véritable. Il faut dire que le père, autoritaire, et qui s’enferme de plus en plus dans son monde à partir du moment où son esprit commence à partir à la dérive, ne laisse guère entrevoir de tendresse.
La volonté de Cl. Ste-Luce de coller à la réalité l’empêche de développer un scénario débouchant sur autre chose que la situation posée au départ. Il y a bien quelques échappées sur la vie privée de la jeune femme, son (ses) boulot(s), ses amis et sur la vie passée du père (qui a passé sa jeunesse en Haïti, a vécu à New-York, au Venezuela avant le Mexique) mais le film prend très souvent la forme d’un huis-clos entre père et fille.
d
e Anna Rose Holmer
Avec Royalty Hightower, Alexis Neblett, Da’Sean Minor
Genre Drame
Nationalité américain
Synopsis :
Toni, 11 ans, s’entraîne dans la salle de boxe de son grand frère.
Elle découvre qu’à l’étage au dessus, un groupe de filles apprennent une variante très physique du hip hop, le drill.
Attirée par leur énergie, leur force, leur assurance, Toni abandonne peu à peu la boxe pour la danse…
La presse en parle :
aVoir-aLire.com par Frédéric Mignard
Film de silence, oeuvre d’ambiance, « The Fits » s’est imposé cette année à Sundance et Deauville comme un OVNI précieux, dont la personnalité n’est peut-être pas la plus aimable pour les spectateurs réfractaires aux grammaires alambiquées, mais son regard puissant sur l’enfance et l’adolescence, en fait l’une des productions les plus enthousiasmantes et les plus marquantes de son époque.
Cahiers du Cinéma par Jean-Philippe Tessé
Il y a longtemps qu’un premier film ne nous avait mis dans un tel émoi.
20 Minutes par Caroline Vié
De son passé de documentariste, Anne Rose Holmer a conservé un don époustouflant pour capter les mouvements de chrorégraphies aussi physiques que virtuoses.
— Par Janine Bailly —
Faute de temps, et parce que d’autres activités culturelles fort intéressantes s’offrent à nous, peu nombreux sont ceux qui pourraient dire « Aux RCM, j’ai tout vu ! ». Consolons-nous en pensant que la qualité est souvent préférable à la quantité !
La soirée d’ouverture nous offrait la primeur d’un documentaire, Nannan, première production de Tropiques-Atrium. Réalisé par Aymeric Cattenoz et Christian Foret, le film, s’il n’est pas parfait, s’il lasse par sa répétitivité et par la trop longue prestation de certains personnages, s’il offre parfois des images approximatives, a cependant le grand mérite de nous entraîner sur des chemins différents, vers ces artistes, dont certains trop peu connus, qui sont et l’âme et le sel de La Martinique. Qu’elle est touchante, la séquence où l’on voit le corps aérien de Josiane Antourel danser pour nous, et comme est beau ce visage de Bambooman, retourné vers nous et qui lentement s’éloigne, sur la toile !
Trois œuvres ensuite, parmi celles proposées, issues de trois pays différents, mais qui ont en commun de privilégier, comme en une promesse d’avenir, enfants et adolescents.
— Par Dominique Daeschler —
Au Rond Point à Paris, une pièce de et avec Kery James (rappeur né aux Abymes), créé à la scène nationale bipolaire de Lons le Saunier et Dole. Voilà un beau pari que conduit tambour battant la jeune directrice, petite souris de la culture, vive et futée, en jeans et blouson ( Ah non on ne lui volera pas son fromage !), en donnant carte blanche au metteur en scène sénégalais Jean Pierre Baro fortement impliqué sur des sujets d’engagement politique et citoyen ( discriminations, racisme, identité, dérives du pouvoir…) pour trois spectacles dans la programmation de saison.
Dans A VIF, Jean Pierre Baro met en scène deux avocats (Kery James, Yannick Landrein) qui argumentent, en une joute oratoire, sur la responsabilité de l’Etat dans les divisions actuelles en « deux France ». Pour, le blanc, avec un côté bien propret et gentil garçon à la Macron, contre, le noir, issu des banlieues.
Première intelligence : avoir donné à Kery le rôle valorisant la responsabilité individuelle citoyenne, la maturation que nécessite la conscience collective et son urgence. Tombe un premier préjugé contre les banlieues et les minorités.
— Par Gérald Rossi —
Avec « Lili » Daniel Mesguich adapte et met en scène avec finesse « Le désespoir tout blanc » de Clarisse Nicoïdski. Catherine Berriane est remarquable en jeune fille attardée.
Les immenses toiles d’araignées qui tapissent le miroir de la coiffeuse, qui s’accrochent dans les tentures du lit, ou qui s’incrustent autour de la baignoire, créent dans la lumière grise, comme un premier malaise. Au centre de ce décor, morceau de vaste logement plus ou moins dévasté, désorganisé, une femme est assise quand les spectateurs prennent place. Souriante, le regard fixant une ligne pour les autres invisible. Lili, car c’est d’elle qu’il s’agit, est une jeune fille « attardée » comme l’on dit, simple d’esprit quoi. Avec sa vision du monde et de sa vie, son univers parfois incompréhensible pour les autres. Parents, proches ou moins proches.
En adaptant et en mettant en scène « Le désespoir tout blanc » roman de Clarisse Nicoïdski, Daniel Mesguich espère, dit-il, que « si ce modeste spectacle peut aider, de quelques manières que ce soit, ceux qui luttent tous les jours pour donner ou rendre leur dignité à ceux-là d’entre nous qui ne peuvent pas ou plus la trouver seuls, il n’aura pas été vain ».
De Pablo Larraín
Avec Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán
Genres Drame, Biopic, Policier
Nationalités chilien, argentin, français, espagnol, américain
Synopsis
1948, la Guerre Froide s’est propagée jusqu’au Chili. Au Congrès, le sénateur Pablo Neruda critique ouvertement le gouvernement. Le président Videla demande alors sa destitution et confie au redoutable inspecteur Óscar Peluchonneau le soin de procéder à l’arrestation du poète.
Neruda et son épouse, la peintre Delia del Carril, échouent à quitter le pays et sont alors dans l’obligation de se cacher. Il joue avec l’inspecteur, laisse volontairement des indices pour rendre cette traque encore plus dangereuse et plus intime. Dans ce jeu du chat et de la souris, Neruda voit l’occasion de se réinventer et de devenir à la fois un symbole pour la liberté et une légende littéraire
La presse en parle :
Chronic’art.com par Guillaume Orignac
Larrain semble avoir ici tout simplement filmé son admiration pour la figure paradoxale de Neruda, en signifiant que ses artifices, sa voix poétique aussi bien que ses délires fictionnels, sont ceux-là même qui ont donné une voix au peuple latino-américain.
Le Christ aveugle, Relève, histoire d’une création, Your Name
— Par Selim Lander —
L’abondante programmation des RCM 2017 est telle qu’elles ne cèdent rien à bien des festivals de cinéma : 36 longs métrages, dont 6 documentaires auxquels s’ajoutent 10 courts-métrages de la dernière Semaine de la critique ou de la sélection ADAMI (Cannes 2016), plus 8 courts métrages caribéens, des courts-métrages d’animation des élèves de l’École des Gobelins, 16 vidéo-clips, etc. et enfin, last bust not least, deux films pour les chères petites têtes noires (ou blondes). On espère que les Martiniquais mesurent bien la chance qui est la leur. En attendant, soulignons qu’un modeste chroniqueur ne saurait y suffire et pas davantage la tout aussi modeste équipe des critiques de madinin-art, d’autant plus qu’elle se trouve, en cette période cruciale, privée de son chef, le valeureux et talentueux Roland Sabra. Nous ferons donc ce que nous pourrons. Voici, en attendant la suite, une première moisson de films.
Le Christ aveugle de Christopher Murray
Commençons par le dernier visionné, celui qui est le plus frais dans notre tête, et certainement pas le moins intéressant.
— Par Michèle Bigot —
D’Arthur Rimbaud
M.E.S. Ulysse di Gregorio
Avec Jean-Quentin Châtelain
Le Lucernaire, Paris, 8 mars > 6 mai 2017
N’en doutons pas : seul Jean-Quentin Châtelain était à même de relever le défi : porter sur scène ce texte prodigieux, qui défie les lois du temps : Une saison en enfer. Entreprise aussi intrépide que périlleuse. Comment faire passer le spectateur anonyme de la vie ordinaire au sublime et au monstrueux, sans autre forme de transition ? au Lucernaire, le spectateur doit avant tout monter au dernier étage, celui du « Paradis » pour embarquer pour l’enfer. C’est bien vu ! L’escalier monumental qui nous y conduit en caravane silencieuse sera l’épreuve initiatique. On arrivera dans la salle obscure et envahie de fumée : la respiration peine, le regard se fait errant. Nous voilà au bord de la géhenne. La cérémonie peut commencer. Sur le plateau, un espace chtonien, une sorte d’anneau magique et menaçant, dessiné par une levée de terre. En son centre, une surface noire : l’avant dernier cercle de l’enfer, l’entrée de l’empire des morts.
— Par Michèle Bigot —
Spectacle en français et en arabe
Conception, écriture, mise en scène Henri Jules Julien
Avec Nanda Mohammad et David Chiesa (contrebasse),
Le Tarmac, Paris, 17-18/03 2017
Une seule actrice (Nanda Mohammad) pour incarner trois femmes, donc trois points de vue différents sur le même texte, dans trois versions différentes : les deux premières versions présentent le texte en français, la seule différence résidant dans l’emploi des pronoms : dans la première version, l’énonciation se fait à la première personne du pluriel (« nous »), dans la seconde version, l’énonciation est distanciée grâce à l’emploi de la troisième personne (« ils, eux »). Dans la troisième version, le texte est présenté en langue arabe. Autant de points de vue différents pour ne pas dire antagonistes. « Nous » assume les faits énoncés, c’est la voix de la culpabilité ; « eux » met en cause les agents : c’est la voix de l’accusation. Traduit en arabe, le même texte change de sens en changeant de point de vue. Les mots n’ont plus la même résonnance, le contexte a changé, la musique du verbe n’est plus la même.
Un film de Christopher Murray
Avec Michael Silva, Pedro Luis Godoy, Ana María Henríquez, Bastián Inostroza, Mauricio Pinto
Synopsis :
Michael (30) est un mécanicien qui dit avoir eu une révélation divine dans le désert. Loin de le croire, les voisins le traitent comme l’idiot du village. Plus tard, quand il apprend que son ami d’enfance a eu un accident dans un village reculé, Michael décide de tout quitter pour faire un pèlerinage, pieds nus, et tenter de le guérir en accomplissant un miracle. Sa démarche va attirer l’attention des pauvres gens, démunis par l’abus de l’exploitation minière. Ils voient en lui un nouveau Christ en mesure d’atténuer la dure réalité du désert chilien.
Sélectionné cette année à la Mostra de Venise, en compétition officielle, ce premier film ambitieux du réalisateur Christopher Murray débute sa route sur les sillons du grand écran. Le Festival International du Film de San Sebastian, en Espagne, l’a également choisi dans sa section « Horizons » et les producteurs du film entendent bien ne pas s’arrêter là pour toucher le public.
— par Gérald Rossi —
Stéphane Gornikowski porte à la scène les travaux des sociologues Monique et Michel Pinçon-Charlot. C’est à la fois drôle et percutant.
On remarque un rien de bric-à-brac aux quatre coins du plateau, quelques tablettes, des chaises, des téléphones, des affichettes, des lettres géantes, des rubans de signalisation blancs et rouges, et même une bouteille de champ’ pour faire la fête. Il n’en faut pas plus à Guillaume Bailliart, qui signe la mise en scène et à Stéphane Gornikowski auteur et concepteur, pour dénoncer, avec une bonne humeur communicative « La violence des riches ». Ils se sont pour cela très largement inspirés des travaux des « sociologues militants » Michel Pinçon et Monique Pinçon-Charlot, complices d’ailleurs de ce spectacle.
Lyly Chartiez-Mignauw, Grégory Cinus et Malkhior, de la compagnie « Vaguement compétitifs » se prêtent au jeu (de massacre) et ils semblent autant s’amuser que la salle, comble le soir de la première parisienne à la Maison des Métallos. Ici, pas de cour magistral ni de démonstration autant économique que rébarbative. Mais des vérités de bon sens, à propos des comédiens par exemple, « dont on paye les cotisations sociale et non les charges sociale, car ils ne sont pas des poids ».
Le guitariste, chanteur et auteur-compositeur âgé de 90 ans a été retrouvé sans vie, ce samedi, à son domicile du comté de Saint Charles, dans le Missouri, samedi.
Selon la police du comté de St-Charles qui a été dépêchée pour une urgence médicale vers 12 h 30 l’homme n’a pas pu être réanimé et son décès a été déclaré à 13 h 26, heure locale.
Né Charles Edward Anderson Berry à Saint-Louis, Missouri le 18 octobre 1926, Chuck Berry fut un des pionniers du rock‘n’roll. Avec les chansons comme Maybellene (1955) , Roll Over Beethoven (1956), Rock and Roll Music (1957) et Johnny B. Goode (1958), Chuck Berry a développé le “Rhythm & Blues” de son temps en y apportant des éléments distinctifs de ce qui deviendra le « Rock’n’Roll » : des paroles axées sur la vie adolescente, le consumérisme ainsi qu’une musique donnant la place belle aux solos de guitare et à la mise en scène de son interprète
Il a influencé de nombreux autres artistes, et son répertoire a été très souvent repris (notamment ses titres les plus célèbres, Johnny B.
Par Selim Lander
Le roman d’Octave Mirbeau est l’un de ceux qui ont « fait époque » au double sens où ils ont marqué les contemporains et où ils sont un reflet si fidèle de leur temps (aussi fidèle que peut l’être un roman) qu’ils prennent aux yeux des générations futures valeur de témoignage. Ceci explique que Le Journal d’une femme de chambre ait fait l’objet de plusieurs adaptations successives. Au cinéma, Jeanne Moreau et plus récemment Léa Seydoux ont rencontré un grand succès dans le rôle titre.
Le cinéma est incontestablement avantagé par rapport au théâtre car il peut reconstituer l’environnement des personnages avec une précision quasi parfaite. C’est en particulier le cas avec le film de Benoît Jacquot (avec Léa Seydoux – voir la photo) qui nous transporte dans l’univers de la Belle Époque comme si nous y étions. Or les objets pèsent lourd dans cette histoire : cirer les bottes, faire les lits, plier le linge, astiquer l’argenterie, servir à table, c’est le quotidien d’une femme de chambre. Comment faire spectacle (et non littérature) de ce quotidien sans montrer tous ces objets ?
— Par Philippe Pilotin —
Déjà 16 ans qu’il nous a quittés !
Louis-lucien Boislaville dit Loulou Boislaville
(1919 – 2001)
(Auteur – chanteur – compositeur – interprète – danseur)
Mercredi 15 mars 2017, cela fait 16 ans que le musicien martiniquais Louis-lucien Boislaville dit Loulou Boislaville nous a quittés.
Acteur incontournable du patrimoine musical antillais, Loulou Boislaville a marqué de son empreinte bon nombre de chants populaires et a su émerveiller les publics à travers la Caraïbe, l’Europe, l’Amérique avec les Grands Ballets Martiniquais, puis le Nouveau Ballet Martiniquais. Avec son équipe du groupe Folklorique Martiniquais, ils feront plusieurs fois le tour du monde et de la Caraïbe à l’Europe, le succès sera le même.
Né en 1919 à Fort-de-France, Loulou Boislaville se passionne très jeune pour la musique. Il avait un fort penchant pour les tables de multiplications qu’il récitait en chantant, en rythmant les mots. Il était encore jeune quand il a rejoint les Éclaireurs de France dont il devient même chef de groupe. En 1935, les festivités pour le tricentenaire du rattachement des Antilles à la France subjuguent le jeune Louis.
Par Selim Lander
Tous les grands prix Beaumarchais/ETC-Caraïbe ne se ressemblent pas : telle était la réflexion que l’on pouvait se faire en assistant pendant deux longues heures à la pièce d’Alain Foix (lauréat du prix 2004) qui mêle l’enquête policière et journalistique, la romance interraciale, les rites sanguinaires, la Tamise, Scotland Yard, le panthéon yoruba, la mythologie grecque, The Times, Libération et les dissections d’une médecin légiste à l’esclavage, à la vénus hottentote et aux saumons qui remontent les rivières. Non qu’on soit contre les mélanges de genres, au contraire, mais ici tout cela nous a paru plaqué et artificiel. On cherche – pardon, nous avons cherché – en effet vainement dans la pièce « l’alliance d’une esthétique brillante profondément humaniste [qui] fait merveille dans le roman [tiré de la pièce] » d’après le site Evène. (1)
Loin de briller, en effet, les dialogues ont semblé surtout plats et les bons mots désolants. On s’excuse ici auprès du lecteur, il faudrait en citer au moins un de ces bons mots mais, trop accablé par ce que nous étions en train de voir et d’entendre, nous n’en retînmes aucun.
— Par Roland Sabra —
Le 21 septembre 2001 à Londres, sur la Tamise « bout de bois d’ébène flottant au fil de l’eau… » est découvert. Il s’agit du cadavre démembré d’un enfant noir juste vétu d’un short orange. Une enquête est ouverte pour retrouver l’identité, et de la victime et du criminel. Mais qu’est-ce que l’identité ? A partir de ce fait divers Alain Foix va construire « Adam et Vénus » d’abord sous la forme d’une pièce de théâtre, puis sous la forme d’un roman, démarche un peu originale qui va à rebrousse poil du parcours habituel de l’adaptation théâtrale.
Après de nombreuses lectures, quelques mises en espaces, une réécriture romanesque, il présentait en création mondiale, à Fort-de-France la mise en scène de ce texte qui a été pour lui le point de bascule à partir duquel il a pu se dire écrivain. Reconnaissance à laquelle l’immense Antoine Bourseiller, acteur, auteur et metteur en scène, directeur de théâtre et d’opéra a contribué en « tombant amoureux » de ce texte et qu’il voulait mettre en scène. Sa mort en 2013 ruina ce projet et mit fin à une collaboration initiée quelques années plus tôt et qui permis aux foyalaises et foyalais de voir « Pas de Prison pour le vent« en mars 2006.
— par Marie-José Sirach —
Stéphane Braunschweig présente Soudain l’été dernier, de Tennessee Williams, première création depuis qu’il a pris ses fonctions de directeur du Théâtre de l’Odéon.
Nous ne connaîtrons jamais les circonstances exactes de la mort de Sebastian Venable. Le suspense demeurera entier, jusqu’à la dernière réplique. Où est la vérité ? Qui ment ? Violette Venable qui, du haut de sa stature familiale et sociale, toise le monde qui l’entoure ? Ou Catherine Holly, sa nièce, témoin de la mort de son fils sur la plage de Cabeza del lobo ? L’affrontement est rude, rugueux. Mrs Venable se drape dans sa douleur de mère, les piques qu’elle envoie distillent du poison dans les têtes et jusque dans les veines de Catherine, déjà sous l’emprise médicamenteuse depuis que sa tante l’a fait interner. Ce n’est pas une enquête policière mais une enquête psychique, une double confession psychanalytique – celle de la mère et de la nièce – confiée par Mrs Venable au Dr Cukrowicz, jeune psychiatre dont les travaux de recherche sont financés par cette dernière. On pense que l’affaire est bouclée, que le jeune médecin va céder aux arguments de la mère…
Les mots disent à la fois le pouvoir et l’impuissance
L’écriture dense, intense de Tennessee Williams éclaire par à-coups les zones d’ombre, reconstituant un à un les morceaux du puzzle familial dont il semble sans cesse manquer un morceau.
— Par Christian Antourel —
Célestine est devenue femme de chambre pour fuir une vie trop restreinte et se retrouve dans un monde où la vie ne se conjugue pas avec le bonheur. Cette ancienne chambrière vient de publier son journal. A l’occasion d’une rencontre avec ses lecteurs , elle raconte avec humour et franchise les anecdotes de son quotidien d’antan. Elle souffle aussi ses secrets « on se sent seul quand on est chez les autres » Elle se montre coquine, attachante aussi angoissante. Elle singe ses anciens maîtres et rejoue des situations cocasses. Il est hors de question de finir sa vie au service des affreux Lanlaire.
Tour à tour dévouée, manipulatrice elle dénonce avec une lucidité redoutable et un humour impitoyable la condition des domestiques et gens de maison, forme moderne de l’esclavage. Elle nous confie dans son journal ses choix, ses doutes, ses sentiments, sa souffrance et se livre sans retenue ni pudeur. Octave Mirbeau écrit le journal sous forme de feuilleton en 1891 et 1892 puis en 1900 en fait le roman que nous connaissons. Le journal a fait l’objet d’innombrables adaptation au théâtre en France et à l’étranger et même été porté plusieurs fois à l’écran A partir de l’adaptation de Philippe Honoré ciselée et faisant ressortir l’essentiel des 519 pages du roman, Philippe Person signe une mise en scène épurée, précise et centrée sur l’expressivité de la narration dans le décor tout kitch des années 1970.
Le poète et dramaturge Faubert Bolivar vient d’obtenir le Prix Texte en Paroles 2017 du meilleur texte dramatique, pour son texte « Les revenants de l’impossible amour ». Basée en Guadeloupe, l’association Textes en paroles s’est donnée pour objet, depuis 2002, de promouvoir les écritures dramatiques contemporaines issues de, ou inspirées par l’univers de la Caraïbe ou des Amériques. Entretien avec le lauréat.
Le National : Avec quels sentiments avez-vous accueilli la nouvelle du prix ?
Faubert Bolivar : Avec joie, bien sûr. C’est une nouvelle lumière projetée sur mon travail d’auteur et ce sont de merveilleuses opportunités qui s’offrent à ma pièce. Je suis très reconnaissant envers Textes en paroles que je remercie une fois de plus. D’un autre côté, recevoir le Prix textes en paroles du meilleur texte dramatique quand on est président d’une association d’auteurs comme ETC (Écritures théâtrales contemporaines en Caraïbe) c’est accroître sa puissance d’agir dans le sens des combats collectifs auxquels nous sommes engagés au quotidien.
LN : « Les revenants de l’impossible amour ». Vous êtes revenu sur l’amour. Des revenants en plus. Un amour impossible.
Faisons le Paris de la musique !Paris Music repart pour quatre jours de concerts en mars 2017 ! Créé par les organisateurs du « Disquaire Day » en association avec la Mairie de Paris, le festival se donne pour ambition de devenir chaque année un rendez-vous incontournable et d’offrir une voix importante à Paris au sein de la création musicale internationale. Paris Music s’installe dans les salles de concerts jusqu’aux lieux parisiens les plus atypiques. Musées, centres culturels, bars… venez vivre une expérience d’écoute insolite !
Festival pluriel, Paris Music présente tous les styles musicaux, de la pop à la musique contemporaine, du hip hop à la musique classique, du jazz à la musique électronique. Les dates sont déjà annoncées : rendez-vous les 16, 17, 18 et 19 mars prochains !
— par Janine Bailly —
Le spectacle Samo, a tribut to Basquiat, proposé à Tropiques-Atrium, fut unique, en ce sens qu’il n’eut lieu qu’une seule fois, en ce sens surtout qu’il a donné à voir une création de forme particulièrement inventive et novatrice. Nécessaire travail de mémoire, étrange poème en prose, ode au peintre si tôt disparu, sorte d’opéra-rock, opéra-jazz tirant sur le hip-hop, tragi-comédie musicale aussi… et pourquoi pas ?
D’abord il y a le son. Qui troue seul l’obscurité de la salle. Qui s’intensifie alors même que la toile verticale, écran tendu en fond de scène, s’éclaire de blanc, de bleu, bientôt ciel à transpercer de violents coups de pinceaux. Le son, comme un sourd battement de cœur, annonciateur de toute vie, frémissement du fœtus au ventre maternel. Le son projeté au devant de lui, l’homme demi-nu qui va entrer en scène. Et de l’indistinct naissent les paroles, voix off, posée et sûre, autoritaire presque dans ses accents. Des paroles qui peu à peu se font claires et disent de Basquiat l’identité, psalmodiée en une phrase déclarative: « Je suis américain… ».
— Par Selim Lander —
Jean-Michel Basquiat (1960-1988), né d’un père haïtien (d’où son prénom français) et d’une mère américaine, fut un mauvais garçon, un beau gosse aux mœurs « spéciales » (comme on disait naguère), avec au cœur la hargne, l’ambition, et surtout l’envie d’une existence sans frein. Promu par la grâce de la critique et des médias figure de proue du néo-expressionnisme new-yorkais, il devint un familier de la Factory d’Andy Warhol où se côtoyaient toutes sortes de gens, des célébrités et des voyous. Incapable de se détacher des drogues, il mourut à vingt-sept ans de l’overdose d’un mélange d’héroïne et de cocaïne. Les visiteurs présents à l’été 2015 à la rétrospective du Guggenheim-Bilbao ont pu apprécier ou en tout cas découvrir une peinture « sauvage », au sens où elle est à l’évidence guidée davantage par la rage de s’exprimer que par le souci de plaire.
Koffi Kwahulé est pour sa part l’un des dramaturges francophones contemporains parmi les plus doués. Le public martiniquais a pu voir très récemment sur scène son monologue Jaz et, en 2013, P’tite Souillure, une pièce qui fait intervenir un personnage maléfique, Ikédia, alors interprété par Nelson Rafaell Madel.
