Catégorie : Arts de la scène

Arts de la scène, Théâtre

« Résurrection – Un cas de conscience » – Tolstoï-Slimani

— Par Selim Lander —

Ce n’est pas tous les jours que l’on voit du théâtre… au théâtre. Beaucoup de seuls en scène (pour des raisons d’économie), des comédies plus ou moins fines (mais chéries par le public), ou à l’inverse des adaptations grandiloquentes d’œuvres romanesques par des metteurs en scène vedettes à l’égo boursouflé. Il n’est donc pas si fréquent d’assister à une pièce comme au bon vieux temps, avec une intrigue, des décors, des costumes, des comédiens sans micro et une histoire écrite pour le théâtre. Tout cela se retrouve dans Résurrection – Un cas de conscience à un détail près : tandis que Résurrection était une nouvelle de Tolstoï, Un cas de conscience le roman qu’il en a tiré, la pièce de Leïla Slimani est donc une adaptation, mais conforme aux canons d’une pièce « classique » si l’on admet que des Anouilh, des Camus, des Sartre écrivaient des pièces « classiques » (sans se sentir tenus par la règle des trois unités). Des exemples qui ne sont pas pris au hasard, leurs œuvres ayant comme cette pièce de Tolstoï-Slimani une intention morale immédiatement perceptible.  Lire Plus

Arts de la scène, Théâtre

Eddie Arnell : Territoires, mémoires et écriture

  • par Rodolf Etienne

De passage en Martinique du 9 au 15 novembre 2026, le dramaturge, comédien et metteur en scène Eddie Arnell poursuit une recherche artistique consacrée aux territoires, aux mémoires et aux écritures de la Caraïbe.

Son projet Correspondances insulaires — Jeux & traversées d’écritures entend faire dialoguer trois espaces culturels dont les histoires se croisent sans que leurs expressions théâtrales empruntent toujours les mêmes chemins.

Eddie Arnell refuse de voir les territoires comme de simples décors. Dans son travail, la Guadeloupe, la Martinique et la Guyane constituent à la fois des lieux de création, des espaces de mémoire et des sources d’expression. À travers Correspondances insulaires, le dramaturge guadeloupéen propose de les réunir dans un dialogue artistique où les langues, les paysages, les expériences humaines et les pratiques culturelles occupent une place centrale.

Auteur, dramaturge, metteur en scène, comédien et enseignant du théâtre, Eddie Arnell développe depuis plusieurs décennies une approche ouverte aux rencontres entre les disciplines. Il dirige LA COM’EDDIE @RNELL, structure professionnelle du spectacle vivant basée en Guadeloupe. Son travail associe notamment l’écriture dramatique, le jeu, la transmission et l’exploration des formes de représentation.  Lire Plus

Opéra, Yékri

L’éphéméride du 10 novembre

Première création de l’opéra La forza del destino, de Giuseppe Verdi le 10 novembre 1862

La forza del destino est une œuvre ou un mélodrame en quatre actes, de Giuseppe Verdi, avec un livret de Francesco Maria Piave, tiré de Alvaro o la forza del destino de Ángel de Saavedra.

Genèse
En janvier 1861, Verdi répond à une demande du tsar Alexandre II de Russie, adressée par l’intermédiaire du ténor Enrico Tamberlick. Après avoir initialement envisagé un projet d’opéra sur Ruy Blas, il accepte, le 3 juin 1861, le drame de Rivas, Don Alvaro o la fuerza del sino, que lui soumet le théâtre impérial.

Le livret est confié à Francesco Maria Piave, et la partition composée entre juin et novembre 1861.

Création
En décembre 1861, Verdi se rend à Saint-Pétersbourg pour les premières répétitions. La maladie de la soprano Emma La Grua prévue pour la création du rôle de Leonora et l’impossibilité de trouver une cantatrice à la hauteur pour reprendre le rôle amènent Verdi à envisager de rompre le contrat qui exige que ses œuvres soient chantées par les artistes de son choix.  Lire Plus

A l'affiche, Cinéma

 » Marie Madeleine », un film de Gessica Généus

À Madiana, les 10, 12, 15 novembre à 19h
Avec Gessica Généus, Béonard Monteau, Edouard Baptiste
21 octobre 2026 en salle | 1h 44min | Comédie dramatique

Synopsis : 
À Jacmel, en Haïti, la mer, les églises et les esprits façonnent la vie. Marie Madeleine est une femme libre. Elle vit de la prostitution et traverse les nuits sans se soumettre aux règles de ceux qui sauvent les âmes. Sa route croise celle de Joseph, un jeune évangéliste. Une relation se noue entre ces deux êtres que tout oppose. Alors que Joseph vacille dans sa foi, Marie Madeleine l’entraîne vers un monde dans lequel désir et quête de liberté ouvrent un espace où tout peut être réinventé.

La presse en parle
L’Humanité par Pierre Barbancey
Un film d’une beauté plastique étonnante, plein de poésie, de souffrance et d’(un peu) d’espoir.

Libération par Luc Chessel
Dans un plaidoyer pour la liberté, la cinéaste et actrice Gessica Généus sublime l’amitié d’une prostituée et d’un évangéliste, pris dans les paradoxes de la société haïtienne de nos jours.

Cahiers du Cinéma par Théo Esparon
Grand film de rêve et d’amour éveillés, Marie Madeleine fait exister l’unité dans l’arrachement des contraires.  Lire Plus

Musiques, Yékri

L’éphéméride du 8 novembre

Sortie de l’album Led Zeppelin IV, du groupe éponyme le 8 novembre 1971.

Led Zeppelin IV est le titre généralement utilisé mais non officiel pour nommer le quatrième album du groupe de rock britannique Led Zeppelin sorti le 8 novembre 1971 et dont la pochette originale ne comprenait pas la moindre inscription, y compris sur la tranche. L’album, qui comporte de nombreux classiques (Black Dog, Rock and Roll, Stairway to Heaven, When the Levee Breaks, etc.) que le groupe jouera sur scène jusqu’à la fin de sa carrière, est un des albums les plus vendus de l’histoire, avec plus de 23 millions de copies écoulées seulement aux États-Unis1 et 37 millions d’exemplaires vendus dans le monde. En France, il s’est écoulé à 1,1 million d’exemplaires selon les estimations. L’album fut composé et mixé aux Basing Street Studios d’Island Records, à Londres, à Headley Grange, une demeure victorienne isolée dans l’East Hampshire, et à Sunset Sound (Los Angeles).

Réception
Après l’accueil médiocre qu’avait réservé la critique à Led Zeppelin III à l’automne 1970, Jimmy Page décida que l’album suivant du groupe n’aurait pas de titre, hormis quatre symboles à l’intérieur de la pochette et sur le disque, chacun choisi par un membre du groupe.

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Littératures, Théâtre

Hommage à Charles Samuel Cohen : Au dramaturge passionné

– par Rodolf Etienne

De Sepúlveda à l’abbé Grégoire, de Jean-Claude Carrière à Charles Samuel Cohen – itinéraire d’une recherche, d’une traduction, d’une rencontre.

Il est des rencontres dont on ne comprend véritablement la portée que longtemps après.

Elles commencent autour d’un texte, d’un projet apparemment précis, puis elles déplacent progressivement notre regard, notre intérêt, nous conduisent vers d’autres livres, d’autres peuples, d’autres histoires, d’autres traditions, d’autres bibliothèques, d’autres mythes.

Charles Samuel appartient pour moi à ces rencontres. Près de vingt ans après nos échanges, en retrouvant ses lettres, plusieurs de ses ouvrages et les impressions de son ancien site théâtral, je mesure mieux ce qu’il m’avait alors confié : bien davantage que quelques textes à traduire. Il m’avait ouvert toute une bibliothèque.

Charles Samuel, de son nom Charles-Samuel Cohen, naît à Rabat en 1922 et meurt à Aix-en-Provence en 2011.

Avocat au Maroc avant de rejoindre le barreau d’Aix-en-Provence, dont il deviendra bâtonnier, il mène parallèlement une importante activité d’écriture.

Son œuvre compte plusieurs dizaines de pièces de théâtre ainsi qu’un ensemble de textes narratifs et historiques.

Mais je garde moins de lui le souvenir du juriste que celui d’un homme passionné par le théâtre, profondément attaché à la recherche et animé d’une soif sensible d’exacte vérité.

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Arts de la scène, Cinéma

Ali G : J’suis qui ? ou le retour de Sacha Baron Cohen !

CINÉMA

Il avait disparu des écrans de cinéma depuis 2002. Le voici de retour, lunettes teintées, chaînes dorées, survêtements extravagants et assurance inébranlable.

Avec Ali G : J’suis qui ?, sorti en octobre 2026, Sacha Baron Cohen nous revient avec l’un de ses personnages les plus emblématiques.

Entre humour outrancier, satire politique et accusations de racisme, cette nouvelle comédie interroge autant les transformations de nos sociétés que les limites d’un humour né à la fin des années 1990.

Ali G, personnage créé par l’humoriste et acteur britannique Sacha Baron Cohen, reprend du service dans Ali G: Who Iz I?, commercialisé en français sous le titre Ali G : J’suis qui ?.

Cette nouvelle aventure, réalisée par Sacha Baron Cohen lui-même, marque ses débuts dans la réalisation d’un long métrage. Mais vingt-quatre ans après Ali G Indahouse, le monde a changé. Et la question se pose désormais : les recettes comiques d’hier fonctionnent-elles encore aujourd’hui ?

Un personnage dépassé par son époque

L’histoire retrouve Ali G dans une situation peu glorieuse. Après deux décennies d’insouciance, il apprend que sa compagne Julie, interprétée par Morgana Robinson, est enceinte de huit mois.  Lire Plus

Arts de la scène, Cinéma

« L’Arabe » : Donner un nom à l’oublié d’Albert Camus

CINÉMA

Avec L’Arabe, sorti en France le 4 novembre 2026, le réalisateur algérien Malek Bensmaïl revisite l’un des romans les plus célèbres de la littérature française, L’Étranger d’Albert Camus.

Inspiré de Meursault, contre-enquête, de Kamel Daoud, son premier long métrage de fiction déplace le regard vers celui qui, dans le récit original, n’avait ni nom ni voix.

Une réflexion sur la mémoire coloniale, les violences de l’histoire algérienne et le pouvoir des récits.

Dans L’Étranger, publié en 1942 chez Gallimard, Albert Camus (1913-1960), écrivain français né en Algérie, raconte l’existence de Meursault, un homme qui tue un Arabe sur une plage, avant de se retrouver jugé pour son crime et, plus encore, pour son attitude devant la vie. Le roman devient une œuvre majeure de la littérature du XXe siècle, notamment pour son interrogation sur l’absurde et la condition humaine.

Une absence traverse ce récit : la victime du meurtre n’a pas de nom. Elle demeure « l’Arabe », une désignation qui, dans le contexte de l’Algérie coloniale, soulève une question fondamentale sur la représentation de l’autre.  Lire Plus

Musiques, Tropiques-Atrium

Le Martinique Jazz Festival 2026

– par Rodolf Etienne

Du 23 au 28 novembre 2026, la Martinique retrouvera l’un de ses grands rendez-vous musicaux.

Avec Célia Wa, Nayah, Chassol, Étienne Mbappé et le légendaire pianiste américain Bob James, le Martinique Jazz Festival annonce une programmation où se croisent les héritages afro-caribéens, les audaces contemporaines et les grandes traditions du jazz.

Une rencontre entre les générations, les territoires et les imaginaires musicaux, portée par Tropiques Atrium, Scène nationale de Martinique.

Une histoire de jazz qui traverse les générations

En Martinique, le jazz entretient depuis longtemps une relation particulière avec les musiques créoles. Les harmonies venues d’Amérique du Nord y rencontrent les rythmes de la biguine, les pulsations du bèlè, les sonorités du gwo ka guadeloupéen et l’immense patrimoine musical de la Caraïbe. Cette histoire faite de circulations, d’emprunts et d’inventions trouve dans les festivals un lieu privilégié d’expression. Le Martinique Jazz Festival participe de cette aventure depuis plus de quatre décennies.

Fondé en 1983 par le Centre martiniquais d’action culturelle (CMAC), alors dirigé par Fanny Auguiac, sous le nom de « Jazz à la Martinique », le rendez-vous s’est progressivement imposé comme un espace de rencontre entre les artistes de l’île et les grandes figures internationales.  Lire Plus

Arts de la scène, Théâtre

Six jours pour le théâtre caribéen

– par Rodolf Etienne

Du 3 au 8 novembre 2026, la Martinique accueille une nouvelle édition des Théâtrales de novembre, organisées par ETC Caraïbe.

De Fort-de-France aux Trois-Îlets, en passant par Le Carbet et Case-Pilote, spectacles, lectures, rencontres et ateliers composent une programmation où se croisent mémoire historique, création contemporaine, langue créole et interrogations sur les sociétés antillaises.

Six journées placées sous le signe d’un théâtre qui ne se contente pas de représenter le monde, mais cherche aussi à le questionner.

ETC Caraïbe, un espace pour les écritures d’ici et d’ailleurs

Depuis plusieurs années, ETC Caraïbe, centre caribéen des dramaturgies contemporaines, accompagne les auteurs et autrices, favorise la circulation de leurs textes et contribue à donner une visibilité aux écritures théâtrales issues des territoires caribéens. Les Théâtrales de novembre prolongent ce travail en réunissant artistes, interprètes, metteurs en scène, enseignants et publics dans différents lieux de Martinique.

L’édition 2026 s’articule autour d’une idée simple : mettre le texte au centre de la rencontre artistique. Certaines œuvres convoquent les grandes fractures de l’histoire antillaise, d’autres interrogent la condition féminine, les liens familiaux, la transmission ou les tensions contemporaines.  Lire Plus

Cinéma

« Papa où t’es ? », film documentaire de Basile Monnot et Samy Bouyssié

À Madiana. 

Synopsis
À 27 ans, Nicolas Trouvé, alias Nico, créateur de contenu et streamer suivi sur TikTok, Twitch et YouTube, décide de remonter le fil de son histoire personnelle. Arraché à sa mère dès l’âge de trois ans, il a grandi entre familles d’accueil et foyers, sous la protection de l’Aide sociale à l’enfance (ASE). De son enfance, il ne conserve que très peu de souvenirs et de son père biologique, il ne connaît presque rien.
Animé par le besoin de comprendre ses origines et de mettre un visage sur ce père qu’il n’a jamais connu, Nicolas entreprend une véritable quête familiale. Grâce à la consultation de son dossier de l’ASE, il rassemble les premiers indices et se lance dans une enquête qui le conduira jusqu’au Sénégal.
Au fil de ce voyage, il part à la rencontre de sa famille, découvre des pans méconnus de son histoire et tente de reconstruire une identité longtemps marquée par l’absence et les séparations. Au-delà de cette recherche intime, son parcours devient aussi une occasion de donner la parole aux enfants placés et de mettre en lumière les réalités, les blessures et les questionnements de celles et ceux qui grandissent loin de leur famille.  Lire Plus

Cinéma

Dick Gregory : Faire rire des préjugés

  • par Rodolf Etienne

Il avait compris qu’un éclat de rire pouvait parfois ébranler des certitudes qu’un long discours ne parvenait pas à entamer.

Humoriste, écrivain et militant des droits civiques, Dick Gregory (1932-2017) a fait de la scène un espace de confrontation avec les préjugés raciaux.

Proche de Martin Luther King, adversaire de la guerre du Viêt Nam et candidat à la présidence des États-Unis, il incarne une génération d’artistes afro-américains pour lesquels divertir ne signifiait pas renoncer à combattre.

Le rire comme première insoumission

Richard Claxton Gregory naît le 12 octobre 1932 à Saint-Louis, dans le Missouri, au centre des États-Unis. Deuxième d’une famille de six enfants, il grandit dans la pauvreté, élevé par sa mère, Lucille, dans une Amérique où la ségrégation raciale continue de déterminer les conditions d’existence de millions de citoyens noirs.

Excellent coureur, il obtient une bourse sportive à la Southern Illinois University, dans l’Illinois, avant d’interrompre ses études pour effectuer son service militaire.

C’est dans l’armée, au cours de spectacles organisés pour les soldats, qu’il commence à développer son talent comique. Après sa démobilisation, il s’installe à Chicago, travaille notamment dans les services postaux et se produit dans les établissements fréquentés par la communauté afro-américaine.  Lire Plus

Contes, Écrits

Dieynaba Guèye : « Sauvez les contes ! »

– par Rodolf Etienne
Conteuse, poétesse, écrivaine et militante de la transmission culturelle, Dieynaba Guèye, dite Diéo ou Diewo, a consacré une grande partie de son existence à préserver la parole traditionnelle sénégalaise.
Originaire du Fouladou, elle avait fait du conte un instrument d’éducation, d’émancipation et de dialogue entre les générations. Sa voix avait également résonné en Martinique.

L’enfance d’une conteuse sous les étoiles du Fouladou

Il était une fois, dans le sud du Sénégal, une petite fille qui refusait d’aller dormir sans avoir entendu une histoire. À Kolda, dans cette région du Fouladou où se rencontrent les langues, les peuples et les traditions de plusieurs pays d’Afrique occidentale, les soirées appartenaient encore largement aux conteurs. Les enfants se rassemblaient après le dîner, écoutaient les récits des anciens, apprenaient à reconnaître les personnages, leurs ruses, leurs erreurs, leurs qualités et leurs faiblesses. Parmi ces enfants se trouvait Dieynaba Guèye, future écrivaine, poétesse et conteuse sénégalaise, connue sous les noms de Diéo et Diewo. Elle devait consacrer son existence à préserver ce patrimoine de la parole et à le transmettre aux générations suivantes.

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Musiques

Philippe Burdy : Le coeur musical de la Martinique

– par Rodolf Etienne

Philippe « Pipo » Burdy, bassiste martiniquais, a accompagné quelques-unes des aventures musicales les plus fécondes de son territoire, de Marius Cultier à Dédé Saint-Prix, de Marcé à Kali ou Claude Césaire aux musiques traditionnelles réinventées aux racines du jazz créole.

Retour sur un parcours singulier qui raconte aussi un demi-siècle de transformations de la musique martiniquaise.

La basse, cet instrument qui tient la musique debout

Dans un orchestre, certains instruments attirent immédiatement l’attention. Le chanteur capte les regards, le soliste impose ses phrases, le tambour entraîne la danse et les cuivres donnent à la musique son éclat. La basse, subtile, travaille dans une relative discrétion. Pourtant, elle occupe une position essentielle : elle relie la pulsation à l’harmonie, soutient le mouvement, organise les appuis et donne à l’ensemble sa profondeur.

Philippe « Pipo » Burdy appartient à la famille des musiciens dont la présence – la basse – transforme la manière dont l’orchestre respire.

Depuis les années 1970, son nom traverse plusieurs univers artistiques qui ont contribué à façonner la musique martiniquaise contemporaine.  Lire Plus

Arts de la scène, Danses

« L’Intervalle » ou la Martinique extra-muros

  • par Rodolf Etienne

Du 27 au 31 octobre 2026, la Biennale de danse de Martinique revient sous une forme renouvelée, portée par La Maison Rouge et la chorégraphe Christiane Emmanuel.

Entre bèlè, danses urbaines, créations contemporaines et rencontres internationales, cette renaissance interroge la place des femmes dans les arts, la transmission des patrimoines corporels et les conditions d’existence de la création chorégraphique martiniquaise.

La danse comme territoire de liberté

Il existe des histoires que les mots ne suffisent pas à raconter. Des blessures que le langage peine à nommer, des mémoires qui se transmettent sans archives, des émotions qui traversent les générations et trouvent dans le mouvement une forme singulière d’expression. La danse appartient à ces langages essentiels. Elle engage le corps tout entier dans une expérience qui peut devenir esthétique, sociale, intime et politique.

En Martinique, cette dimension prend une résonance particulière. Le mouvement dansé participe d’une histoire où se rencontrent les héritages africains, les bouleversements de la société coloniale, les pratiques populaires, les créations urbaines et les expérimentations contemporaines.

Du bèlè aux écritures chorégraphiques les plus récentes, les corps demeurent des lieux de transmission, d’invention et parfois de résistance.

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Cinéma, Yékri

L’éphéméride du 27 octobre

Naissance, le 27 octobre 1811, aux États-Uni, d’Isaac Singer qui perfectionna la machine à coudre

L’Américain Elias Howe, l’Allemand Balthasar Krems , l’Anglais Thomas Saint et l’Autrichien Josef Madersperger) sont les pionniers de la machine à coudre.

La première machine à coudre véritablement pratique est attribuée à un tailleur français originaire de la région lyonnaise, installé rue des Forges à Saint-Étienne, Barthélemy Thimonnier. Il dépose en 1830 le premier brevet d’une « mécanique à coudre » (ou « métier à coudre ») construite en bois, à un fil continu, en point de chaînette, cousant 200 points à la minute. Il en fabrique 80 exemplaires pour honorer une commande d’uniformes de l’armée. Beaucoup d’inventeurs de cette époque misent sur la reproduction du mouvement de la main, ce qui limite la couture à une simple aiguille (Madesperger notamment dont la machine s’appelait « la main qui coud »).

En 1834, l’Américain Walter Hunt est le premier à utiliser une canette, et donc à utiliser deux fils. Cette idée est reprise et améliorée par Elias Howe qui dépose un brevet en 1846 mais n’obtient aucun succès et part en Angleterre pour tenter de l’exploiter.  Lire Plus

Musiques

Simon Chivallon : « Les Passantes »

– par Rodolf Etienne

Il est des rencontres qui ne durent qu’un instant et dont le souvenir nous accompagne toute une vie.

Avec Les Passantes, le pianiste de jazz Simon Chivallon revisite l’une des chansons les plus bouleversantes du répertoire de Georges Brassens.

Sans paroles, porté par un trio et un quatuor à cordes, Simon Chivallon redonne à cette méditation sur le temps, le désir et les rendez-vous manqués une nouvelle existence musicale. Une traversée sensible de plus d’un siècle de poésie et de chanson française. Simon Chivallon — Alone Again (A Personal Songbook)

Une chanson qui traverse les générations

Derrière la mélodie popularisée par Georges Brassens se tient d’abord un poème écrit en 1911 par Antoine Pol, alors jeune homme de vingt-trois ans. Publié en 1918 dans le recueil Émotions poétiques, le texte aurait pu demeurer dans les marges de l’histoire littéraire. C’était compter sans une rencontre. Celle du jeune Georges Brassens avec le recueil d’un poète presque inconnu. En 1942, chez un bouquiniste, le futur chanteur découvre ces vers. Il en perçoit immédiatement la force, mais mettra des années à leur donner une forme musicale qui le satisfasse.  Lire Plus

Musiques

Eric Dolphy ou quand l’avant-garde faisait parler les instruments

— Par Rodolf Étienne

Il n’aura fallu que quelques années à Eric Dolphy pour déplacer les frontières du jazz.

Saxophone alto, flûte, clarinette basse : entre ses mains, chaque instrument semble disposer de sa propre langue.

Tantôt chant, tantôt cri, rire, murmure ou phrase éclatée, son improvisation demeure immédiatement reconnaissable plus de soixante ans après sa disparition.

Le 25 septembre 2026, Blue Note a d’ailleurs remis en circulation Out to Lunch! dans sa nouvelle série vinyle « Essential », signe supplémentaire de l’étonnante modernité de cette musique enregistrée en 1964.

De Los Angeles vers un autre jazz

Eric Allan Dolphy naît le 20 juin 1928 à Los Angeles. Il grandit dans un environnement où la musique occupe rapidement une place centrale. La chronologie conservée par la Library of Congress indique une première apparition connue sur disque avec l’orchestre de Roy Porter en 1949. Il sert ensuite dans l’armée américaine, fréquente en 1952 l’U.S. Naval School of Music, puis revient à Los Angeles poursuivre sa carrière. Sa maison familiale devient un de ces lieux informels où les musiciens travaillent, expérimentent et se rencontrent.   Lire Plus

Architecture, Littératures, Musiques

Marc Alie : L’architecte des mots et des formes

  • par Rodolf Etienne

Écrivain, architecte, musicien et pionnier des radios libres, Marc Alie a traversé plusieurs décennies de création martiniquaise en refusant de s’enfermer dans une seule discipline.

Derrière les édifices qui ont marqué le paysage de l’île se découvre un auteur dont l’œuvre littéraire mérite aujourd’hui d’être relue. 

Marc Alie appartient à la catégorie d’artistes dont le parcours oblige à franchir les frontières habituelles entre les disciplines.

Né en 1944 à Nausselles, dans l’Aveyron, et décédé le 8 novembre 2020 à Paris, Marc Alie a consacré une part essentielle de son existence à la Martinique, où son nom demeure associé à plusieurs réalisations architecturales. Chez lui, la création semble avoir répondu à une nécessité constante : inventer des formes, interroger le monde et proposer d’autres manières de l’habiter.

L’architecture comme expérience de liberté

Diplômé de l’École spéciale d’architecture, Marc Alie a été marqué par les recherches de Claude Parent et Paul Virilio, notamment autour de la fonction oblique, qui entendait bouleverser les conceptions traditionnelles de l’espace. Inscrit à l’Ordre des architectes en Martinique dès 1973, il a participé à plusieurs projets importants, parmi lesquels les logements sociaux des Hauts du Port, à Fort-de-France, et le centre administratif de l’ancien conseil général.  Lire Plus

Théâtre, Yékri

L’éphéméride du 21 octobre

La Comédie-Française est fondée par ordonnance royale de Louis XIV le 21 octobre 1680

La Comédie-Française ou Théâtre-Français (surnommé « le Français ») est une institution culturelle française fondée en 1680 et résidant depuis 1799 salle Richelieu au cœur du Palais-Royal dans le 1er arrondissement de Paris.

Établissement public à caractère industriel et commercial depuis 1995, c’est le seul théâtre national en France disposant d’une troupe permanente de comédiens, la Troupe des Comédiens-Français. Bien que mort depuis sept ans quand la troupe a été créée, Molière est considéré comme le « patron » de l’institution, surnommée la « Maison de Molière ». Le fauteuil dans lequel il entra en agonie lors d’une représentation du Malade imaginaire est toujours exposé au fond de la galerie des bustes, après le Foyer Public1.

La devise de la Comédie-Française est, en latin, « Simul et singulis » (qui peut être traduite par « être ensemble et rester soi-même »). Son emblème est une ruche avec des abeilles, à l’image d’une institution foisonnante.

Historique de la Comédie-Française
La Comédie-Française est fondée par ordonnance royale de Louis XIV le 21 octobre 1680 pour fusionner les deux seules troupes parisiennes de l’époque, la troupe de l’hôtel Guénégaud (troupe de Molière) et celle de l’hôtel de Bourgogne.  Lire Plus

Théâtre

Café théâtre au Jeu de Paume

Fête des mères : Diptyque familial

— par Selim Lander — Le Jeu de Paume à Aix-en-Provence a accueilli une pièce déjantée comme on en voit d’ordinaire dans des salles plus populaires, sans vexer pour autant le public habituel du théâtre qui a applaudi bruyamment. Il faut dire que l’histoire est bien menée, avec des rebondissements, des répliques à l’emporte-pièce et que les acteurs s’amusent bien (ce qui est la condition pour nous amuser), à commencer par Florence Janas, une vraie bête de scène qui ajoute à son texte force mimiques et virevoltes.

Diptyque en effet puisque composé de deux parties séparées par un entracte. Cela commence donc par une fête des mères ratée en l’absence de la mère pour un motif tellement grave que l’amie de la celle-ci, Florence et le plus jeune fils, Ziggy, auront beaucoup de mal à l’expliquer aux deux autres enfants, Gabriel et Louise. Un cinquième personnage, Arthur, le compagnon de Gabriel, vient compléter le tableau. Interprété par Cyril Metzger, il est plein de drôlerie, quoiqu’avec moins d’exubérance que Florence Janas (Florence dans la pièce).  Lire Plus

Cinéma, Yékri

L’éphéméride du 13 octobre

Naissance à Kiffa, en Mauritanie, d’Abderrahmane Sissako le 13 octobre 1961

Abderrahmane Sissako (également crédité sous le nom de Dramane Sissako) est un cinéaste et producteur mauritanien, né le 13 octobre 1961 à Kiffa.

Le thème principal de son œuvre est l’exil, le déplacement. Il peint l’Afrique avec des touches autobiographiques. En 2015, il devient le premier cinéaste africain à obtenir le César du meilleur réalisateur pour Timbuktu.

Il fait partie, avec Ousmane Sembène, Djibril Diop Mambety, Souleymane Cissé, Idrissa Ouedraogo et Alain Gomis, des rares cinéastes d’Afrique subsaharienne à avoir obtenu une notoriété internationale.

Biographie
Peu de temps après sa naissance, sa famille émigre au Mali son pays d’origine, où il suit une partie de ses études primaires et secondaires. Après un court retour en 1980 en Mauritanie, il part en Union Soviétique, à Moscou, où il étudie le cinéma au VGIK (Institut fédéral d’État du cinéma) de 1983 à 1989.

Au début des années 1990, Abderrahmane Sissako s’installe en France. En 1994, il obtient, lors du 4e Festival du cinéma africain de Milan, le Prix du meilleur court métrage pour son film Octobre.  Lire Plus

Théâtre

Au TNB, Ingmar Bergman relu par Arthur Nauzyciel

Scènes de la vie conjugale, anatomie d’un couple en crise

— Par Janine Bailly —

Mots pour maux… Elle est avocate, spécialisée dans les problèmes de divorces, il est universitaire, tous deux sont censés maîtriser le langage, connaître la valeur des mots, et savoir dire les choses au plus juste. Mais les mots sont versatiles. Tantôt servant la vérité, tantôt la déguisant ou la travestissant, ils laissent place à des silences, lourds de non-dits, et qui peuvent s’avérer plus révélateurs que la parole.

Or, Scènes de la vie conjugale est tout à la fois un théâtre de parole et de non-dits, qui laisse le spectateur combler les vides et les ellipses, reconstituer, à partir du texte de Bergman, et peut-être de son propre vécu, ce que le dialogue suggère. Car si le couple de Marianne – Bénédicte Cerutti – et Johan – Laurent Poitrenaux – porte les stigmates des années soixante-dix, époque dans laquelle l’incarnation le fait vivre, s’il existe bien dans sa singularité, il se fait dans un même mouvement intemporel, universel, et donc archétypal. Nombre d’œuvres littéraires et cinématographiques disent aujourd’hui cette difficulté à vivre ensemble, à trouver entre l’homme et la femme un authentique terrain d’entente, à résister à la prise de pouvoir de l’un sur l’une.  Lire Plus

Cinéma, Yékri

L’éphéméride du 6 octobre

Le premier film parlant, Le Chanteur de jazz, est présenté aux USA le 6 octobre 1927.

Le Chanteur de jazz (The Jazz Singer) est un film musical américain réalisé par Alan Crosland, sorti en 1927.

Il est communément considéré comme le premier film parlant, plusieurs scènes chantées et un monologue étant insérés au milieu des scènes muettes (qui restent cependant les plus nombreuses). Mais c’est un film sonore.

Synopsis :
Le chanteur Rabinowitz furieux a trouvé son fils Jakie en train de chanter dans un bar, et l’a chassé du foyer familial.
Quelques années plus tard, Jakie est chanteur de jazz dans un night-club et se fait appeler Jack Robin. Il est remarqué par l’actrice Mary Dale, qui se propose de l’aider à faire carrière.
Et en effet, Jakie est propulsé sur les scènes de Broadway pour y faire un nouveau spectacle, un spectacle qui ferait de lui à coup sûr la nouvelle vedette de la chanson sous les traits d’un blackface. Mais le concert tombe le soir de Yom Kippour, et le père de Jakie, très malade, est incapable de chanter à la synagogue.  Lire Plus

Arts de la scène, Autres, Danses

Une rentrée italienne au Pavillon Noir

— par Selim Lander — Le Pavillon Noir, le lieu d’Angelin Preljocaj à Aix-en-Provence, un bâtiment de l’architecte Rudy Ricciotti, accueille régulièrement des danseurs extérieurs à la compagnie. Trois spectacles venus d’Italie ont marqué le lancement de la saison 2026-2027, dont deux « seuls en scène » dont il sera question ici (1). « Seuls en scène » et non solos, en l’occurrence, la danse n’étant pas le propos principal des artistes concernés.

R.Osa, la performance de Sylvia Gribaudi

Pourquoi ce titre, R.Osa, et pas seulement rosa, la rose, métaphore de la jeune fille… en fleur ? Sans doute faut-il deviner « oser » dans « osa », car Sylvia Gribaudi exhibe sans complexe un corps « augmenté » selon l’expression délicate d’une critique, mais qu’en d’autres temps on aurait qualifié de monstrueux. Autant dire que même si l’on se croyait prévenu, pour avoir vu l’affiche, l’apparition de S. Gribaudi provoque un choc. D’autant que le spectacle découpé en une dizaine « d’exercices » peine à démarrer. Ou bien est-ce simplement le temps nécessaire pour s’accoutumer ? Car très vite on est dans le bain, on se laisse prendre par une interprète à l’entrain débordant, qui a la bonne idée de détendre l’atmosphère en invitant bientôt son audience à esquisser quelques mouvements de danse.  Lire Plus